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El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, presenta este ciclo y exposición dedicados a las prácticas performativas. Lazos mecánicos surge del deseo de pensar el espacio del museo y las relaciones que se construyen en él a partir de los cuerpos que lo habitan, intentando crear momentos de porosidad entre el interior y el exterior del edificio a través de las prácticas diversas de una serie de artistas y colectivos.
El título del proyecto es producto del azar. Es el título, recientemente descubierto, de una pintura de María Paz Jiménez (Valladolid, 1909 — San Sebastián 1975) que hasta ahora constaba como «sin título» (1968) en las bases de datos del museo vinculadas a la Colección. El cuadro es un lienzo casi monocromo. En la imagen, unas formas abstractas se agolpan como un paisaje de ciencia ficción. Para la exposición Bilduma Hau Colección. Movimientos elementales (1950-2000) se decidió cambiar el marco de la pintura y, al despojarla del viejo marco, apareció la inscripción «Lazos mecánicos», en un trozo de cinta grapada al bastidor de madera.
Comisariado por la artista Itziar Okariz y Catalina Lozano.
Lazos mecánicos cuenta con el apoyo de:
ACTIVIDADES RELACIONADAS
10 de junio
17:00 h / 29 Condiciones para una imposición, Jon Mikel Euba
18:30 h / Viaje de formol, Naomi Rincón Gallardo
24 de junio
18:30 h / Pulfiki pulkiki, Amaia Urra
19:30 h / "…abesten saiatu nintzen…" "…baina ez zizuten entzuten…", Garazi Navas
1 de julio
17:00 h / Performance, Sus Zwick & Muda Mathis
18:30 h / Tripak pasiaran II, Tripak
19:30 h / Concierto, Les Reines Prochaines
7 de julio
11:00 - 14:00 h / Taller de improvisación con Jeremiah Day (15 personas)
8 de julio
17:00 h / Nueva performance en el elizate, Jeremiah Day
18:30 h / Hor dago, Erick Beltrán
13 de julio
16:00 h / A Daily Practice with Works from The Collection. Sesión de Feldenkrais a cargo de Yael Davids (12 personas)
14 de julio
19:00 h / A Daily Practice with Works from The Collection. Sesión de Feldenkrais a cargo de Yael Davids (12 personas)
Everything Near Me [Todo lo cercano a mí] es una instalación cinematográfica que consta de dos capítulos. El primero explora una variedad de paisajes afectivos que también están relacionados con contextos sociopolíticos específicos, los del País Vasco y California. El segundo, filmado a lo largo de dos años en el País Vasco, combina escenas cotidianas con paisajes exuberantes, momentos fugaces que conforman y sostienen la vida.
Laida Lertxundi realiza su trabajo a partir de una metodología que denomina landscape plus (‘paisaje y algo más’), una manera de combinar ejercicios grupales y la fotografía de observación con música, acciones y eventos al azar; estableciendo paralelismos entre la tierra y el cuerpo como centros de placer y experiencia. Su obra se ha expuesto en High Line Art, New York (2023), Whitney Biennial, New York, (2012), Hammer Museum (2016), LIAF Biennial (2013), Biennale de Lyon (2013), Frieze Projects New York (2014), MoMA, New York (2022, 2017), y Tate Modern, London (2016) entre otros. La pedagogía es fundamental en su práctica y actualmente es profesora en la École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Lyon.
Ren Ebel es un artista de California, EEUU. Trabaja en una variedad de medios que incluyen video, sonido, escritura y dibujo. Recibió su BFA de la Universidad de California, San Diego, y su MFA en práctica de estudio de ArtCenter College of Design en Pasadena, California. Sus obras se han exhibido en Gattopardo Gallery, Los Angeles, Now Instant Image Hall, Los Angeles, Spectacle Theatre, Nueva York y Azkuna Zentroa, Bilbao. Sus textos han sido publicados en Artforum, Mousse, X-TRA y Frieze.
Esta exposición se realiza con la colaboración de MONDRAGON.
La Sala Z (zinema) es un espacio que investiga nuevas formas de relacionar el cine y el arte. No es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición al uso. Es un proyecto que construye un tercer espacio en el museo desde el que visibilizar y analizar obras de artistas que se acercan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace para pensar la imagen en movimiento en el museo, y que da a conocer a autores y autoras que buscan nuevas formas narrativas cuestionando las convenciones, los géneros y las categorizaciones que históricamente han definido el lenguaje cinematográfico.
Con obras que abarcan cuatro décadas de trabajo, la exposición rastrea su riguroso proceso de investigación desde el expresionismo hasta la abstracción geométrica
Muchas de las obras, algunas inéditas, proceden del estudio del pintor, un fondo documental y de obra recuperado y conservado por su familia
La muestra ofrece un perfil amplio y complejo de la personalidad creativa de Rafael Lafuente
Esta exposición dedicada al trabajo de Alejandro Cesarco (Montevideo, Uruguay, 1975) reúne obras en distintos soportes -fotografías, vídeos y piezas realizadas a partir de texto- que proponen una reflexión acerca de la construcción y la experiencia del aprendizaje, y de aquellos procesos vinculados a la memoria, la percepción y al lenguaje.
Entre ellas se sitúa Index (An Educator), una pieza que forma parte de una serie de trabajos que inicia con el mismo título en el año 2000 y en la que Cesarco se interesa por la elaboración de índices de libros imaginarios. Parafraseando al artista, estos índices se conciben como “formas de escritura que constituyen, a su vez, archivos de lecturas”, y son producto de su interés por las clasificaciones, los registros y las taxonomías, así como por los procesos de construcción y preservación de la memoria. En Otros ejemplos recientes, el artista se detiene en cuestiones como los usos y funciones de la pedagogía y la alfabetización, así como las relaciones entre la lengua materna, el bilingüismo y el complicado ecosistema que genera esa situación de «estar entre».
Como espacio anexo y en paralelo a la muestra, Alejandro Cesarco construye un espacio de consulta de textos y autores vinculados con su práctica como editor. Entre otras de sus publicaciones, se recoge una selección de libros editados en el marco de Art Resources Transfer (A.R.T.), una organización independiente sin ánimo de lucro comprometida con la documentación y la difusión del trabajo de los artistas a un público muchas veces no reconocido en el circuito del consumo cultural.
Exposición coproducida por el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa y Maumaus/Lumiar Cité (Lisboa)
Durante los años 80 un convento en Lizaso (Navarra) albergó a la excéntrica comunidad del Arco Iris. Las paredes anodinas del edificio fueron adornadas con enormes motivos florales y sus salas acogieron encuentros multitudinarios donde se experimentaba con prácticas catárticas de tinte new age. En la actualidad, el edificio está habitado por monjes de clausura y los rastros de aquel episodio son casi imperceptibles.
Las autoras de San Simón 62 se acercan al lugar atraídas por los testimonios de sus madres que, intentando desprenderse de las secuelas del franquismo y hacer frente a los desafíos personales y políticos de esta nueva etapa, pasaron por la comunidad del Arco Iris.
Irati Gorostidi y Mirari Echávarri vivieron en el mismo bloque de pisos durante los primeros años de su vida. Una mudanza a otra ciudad las separó hasta que, tiempo después, se reencontraron estudiando Bellas Artes en Bilbao. Desde entonces han colaborado en proyectos musicales y fílmicos.
Recientemente, algunos de los proyectos de Mirari Echávarri han sido expuestos en Tabakalera, Artium Museoa, Museo de Navarra y Okela Sormen Lantegia y su primera pieza audiovisual, Cuerpos #1 Santa Águeda, ha sido proyectada en los festivales de cine feminista de Londres y Dublin, en el festival de cine internacional Porto/Post/Doc, en Cinespaña en Toulouse, y en el Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen, entre otros.
Irati Gorostidi está desarrollando actualmente su primer largometraje, Anekumen, que ha sido seleccionado en Ikusmira Berriak 2022 y ha participado en diversos programas de mentoring y mercados. Su cortometraje Contadores, en fase de producción, ha recibido el apoyo del Gobierno Vasco, el ICAA y el Gobierno de Navarra. Sus anteriores películas se han proyectado internacionalmente en festivales de cine y museos.
Esta exposición se realiza con la colaboración de MONDRAGON.
La Sala Z (zinema) es un espacio que investiga nuevas formas de relacionar el cine y el arte. No es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición al uso. Es un proyecto que construye un tercer espacio en el museo desde el que visibilizar y analizar obras de artistas que se acercan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace para pensar la imagen en movimiento en el museo, y que da a conocer a autores y autoras que buscan nuevas formas narrativas cuestionando las convenciones, los géneros y las categorizaciones que históricamente han definido el lenguaje cinematográfico.
La muestra propone un acercamiento a la figura del cineasta vasco y explora el universo que creó a partir de su incesante experimentación en torno a la imagen
La exposición reúne los principales títulos de su filmografía y pone el foco en la parte menos conocida de esta, junto con muestras de su trabajo como artista gráfico, fotografías y dibujos, entre otros objetos
Una serie de entrevistas realizadas para este proyecto con figuras fundamentales para acercarse a su producción, entre ellos Pedro Almodóvar, Alaska, Jaime Chávarri, Cecilia Roth, Virgina Montenegro o Jaime Stinus, completan este retrato de Zulueta
Magnet-Erakarri, un proyecto de colaboración entre Barrutia Ikastola y Artium Museoa
Clamor, la última película de Rubio, explora el tema de la muerte a partir de los lugares de enterramiento de los «rechazados»: suicidas, represaliados, ateos… Edurne Rubio es una artista visual cuya práctica se extiende a las performances, las películas, los proyectos sonoros y las intervenciones en el espacio público. La exposición contiene además imágenes de archivo y textos relacionados con algunos de los lugares que aparecen en la película
La muestra permite examinar mediante series de trabajos de distintos momentos la producción del artista desde los años 80 hasta el presente. La muestra forma parte de un proyecto curatorial único que se despliega simultáneamente en el Museo Reina Sofía de Madrid y en Artium Museoa
El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, presenta la exposición Néstor Sanmiguel Diest. La peripecia del autómata (Sala A3, hasta el 1 de noviembre de 2022). La exposición presenta cerca de 80 obras, además de una amplia selección de dibujos de sus “cuadernos de trabajo”, que en conjunto ofrecen la oportunidad de examinar la producción del artista desde finales de la década de los 80 hasta el presente. La muestra forma parte de un proyecto curatorial único integrado por dos exposiciones distintas, la de Artium Museoa y la que se presentó el pasado 2 de junio en el Palacio de Velázquez del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Con ocasión de esta exposición, ambos museos preparan la edición de una publicación que contará con textos de Beatriz Herráez, comisaria del proyecto y Peio Aguirre, y recogerá una conversación entre Néstor Sanmiguel Diest y Ángel Calvo Ulloa.
La peripecia del autómata despliega series de trabajos ejecutadas en distintos momentos de la trayectoria de Néstor Sanmiguel Diest (Zaragoza, 1949) y dibuja un recorrido que permite adentrarse en la práctica de un autor que se define a sí mismo como un «artista de taller». Junto con piezas de colecciones privadas y del propio autor, la muestra integra cuatro pinturas de la Colección Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco: En la penumbra de tu corazón (1994), Los sentimientos no expresados del lehendakari (2004), El arte de esquivar (2004) y La hija del capitán (2004).
Desde los primeros años de su actividad, vinculado a la fundación de colectivos artísticos como A Ua Crag, y el Segundo partido de la montaña, Sanmiguel Diest se presenta como un productor metódico y prolífico que idea de modo ininterrumpido sistemas, reglas y protocolos, que aplica en la construcción de sus piezas. Su obra ingente, principalmente dibujos y pinturas, conforma un catálogo singular en el que se confunden los límites entre imagen y texto, como en un palimpsesto que desvela y oculta al mismo tiempo una sucesión de relatos que interpelan al espectador.
La cronología de la exposición se inicia a finales de los ochenta, momento en el que el artista mantiene una doble ocupación, en su taller y empleado como patronista en una factoría textil, un lugar que no abandona plenamente hasta el año 2000. Del ejercicio de esta profesión derivan la aplicación de una lógica meticulosa y precisa en sus procesos de trabajo y los guiños y referencias persistentes al espacio de la fábrica y a una iconografía militante. Del mismo modo que en la industria, Sanmiguel Diest traslada la jornada laboral, de (al menos) ocho horas al día, a la ejecución de una producción sistematizada en su estudio. Una cadena de montaje transferida al taller del artista en la que es habitual el empleo de troqueles, patrones y matrices en el interior de sus piezas a modo de collages, mediante el frottage y la copia.
En distintas ocasiones, Sanmiguel Diest se ha referido a su práctica como el «oficio de esquivar», una premisa que se materializa en su forma de situarse en la periferia, no solo geográfica, sino también discursiva y material. Este rehuir o alejarse de las narrativas y los debates más extendidos, ha funcionado como táctica y método, generando un pensamiento y un corpus de trabajo que cuestiona y desafía los modos de producción contemporáneos y su organización del tiempo.
Alejado de cualquier convención, su trabajo se sitúa en un campo en el que son frecuentes las referencias a los ámbitos de la historia del arte, la literatura y la música, pero también a lo más cotidiano y ordinario, al incorporar en sus piezas documentos, facturas, fragmentos de textos, notas o páginas de prensa. Se trata de una invitación a pasear por una selva de símbolos, un lugar plagado de silencios expresivos, en una negociación constante con aquello que se agolpa en los márgenes y que, con frecuencia, pasa desapercibido. Una producción que no participa de una interpretación literal del mundo, y que se asienta en una simultaneidad de apropiaciones y citas, como un mecanismo potencialmente infinito y circular que sorprende por su densidad.
Néstor Sanmiguel Diest
El artista vive y trabaja en Aranda de Duero. En el año 1985 fundó en esta localidad, junto a los artistas Rufo Criado, Rafael Lamata o Jesús Max, entre otros, el colectivo de artistas A Ua Crag; también participó en la creación de los grupos Red District o el II Partido de la Montaña. En los 90 inicia una intensa trayectoria individual que inicialmente, hasta finales de esa década, compaginó con su trabajo como patronista en una fábrica textil. Su producción se sustenta en el desarrollo riguroso de complejas tramas visuales y narrativas, obras no exentas de ironía realizadas a partir de minuciosos trazados geométricos y combinaciones de módulos que se repiten de manera sistemática sobre las superficies de las telas y el papel.
Su obra se encuentra en las colecciones del MACBA, MNCARS, MUSAC y Artium Museoa, entre otras entidades, así como en numerosos fondos institucionales y privados. Ha celebrado exposiciones individuales en espacios como el Museo Reina Sofía, el MUSAC de León, Centro Cultural Montehermoso, Galería Maisterravalbuena de Madrid y Trayecto Galería en Vitoria-Gasteiz.
Néstor Sanmiguel Diest. La peripecia del autómata
Sala A3, desde el 24 de junio hasta el 1 de noviembre de 2022
La peripecia del autómata es un proyecto curatorial que se despliega en dos exposiciones simultáneas: una en Madrid, en la sede del Palacio de Velázquez del Museo Reina Sofía, y otra en Vitoria-Gasteiz, en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa.
Documentos para descargar
Nota de prensa (pdf) Lista de obra (pdf) Solicitud de imágenes
En Clamor, última película de Edurne Rubio Barredo, la artista retrata lugares que han servido como sitios de enterramiento para aquellos que eran relegados por la iglesia católica: los suicidas, los bebés fallecidos antes de recibir el bautismo, los fusilados, ateos, transeúntes, protestantes. Enfocándose en la historia particular de la provincia de Burgos, Rubio recoge historias personales atravesadas por los acontecimientos y procesos históricos que han marcado la región. El estado actual de estos lugares refleja la coexistencia de la vida y la muerte y la convivencia de diferentes especies dentro del territorio, cuestionando el monopolio de ciertas instituciones sobre lo sagrado.
Edurne Rubio (1974) es una artista visual radicada en Bruselas que trabaja en los campos de las exposiciones, la performance, el cine y la arquitectura. Su trabajo de investigación ha estado asociado a la percepción individual o colectiva del tiempo y el espacio. Su obra se relaciona con lo documental y la antropología, utilizando entrevistas, imágenes de archivo y la investigación sobre la comunicación oral.
Proyecto producido en colaboración con MONDRAGON
Actividad vinculada
Proyección de Clamor y conversación con Edurne Rubio
Viernes 22 de julio, 12:00 horas
Entrada libre
La Sala Z (zinema) es un espacio que investiga nuevas formas de relacionar el cine y el arte. No es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición al uso. Es un proyecto que construye un tercer espacio en el museo desde el que visibilizar y analizar obras de artistas que se acercan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace para pensar la imagen en movimiento en el museo, y que da a conocer a autores y autoras que buscan nuevas formas narrativas cuestionando las convenciones, los géneros y las categorizaciones que históricamente han definido el lenguaje cinematográfico.
Comisariado: Garbiñe Ortega
© 2023 Artium Museoa.